Mis Familias en HMO.
David nació el 1 de marzo de 1952 en Madrid, le diagnosticaron esquizofrenia con 19 años, estuvo internado en varias clínicas durante años hasta que un día decidió escaparse.
Se dice que vivía solo en una casa en Madrid que solo tenía 2 habitaciones, la cual usaba como taller y casa. Es (era) vegetariano desde hace 30 años, practicaba el ayuno y la abstinencia sexual y se sometía a extenuantes ejercicios físicos.
Se autolesionaba causándose quemaduras, heridas, llagas y cuanta cosa se le ocurría,
Tras pasar por todo éste tipo de mutilaciones, Nebreda encuentra el escenario perfecto para tomarse fotografías. “Nebreda consigue negarse absolutamente y plasmar esta auto-negación como obra de arte”, escribió el filósofo francés Jean Baudrillard. En sus fotografías David aparece desnudo, con la piel pegada a los huesos y el cuerpo lacerado, así como también embarrado de su propio excremento.
Se autolesionaba causándose quemaduras, heridas, llagas y cuanta cosa se le ocurría,
Tras pasar por todo éste tipo de mutilaciones, Nebreda encuentra el escenario perfecto para tomarse fotografías. “Nebreda consigue negarse absolutamente y plasmar esta auto-negación como obra de arte”, escribió el filósofo francés Jean Baudrillard. En sus fotografías David aparece desnudo, con la piel pegada a los huesos y el cuerpo lacerado, así como también embarrado de su propio excremento.
Muchos críticos de arte han declarado que sus fotos son muestra de un arte formalmente perfeccionista, lleno de tenebrismo; mismas que recuerdan al pintor Caravaggio, creador de este término tan conocido. En su autoexilio Nebreda crea una gran cantidad de autorretratos y algunos dibujos que fueron pintados con su sangre. Los mismos que hoy se encuentran en la edición 'Autoportraits', realizada por Léo Scheer. Obras cuidadas hasta en el último detalle en el sentido de la iluminación y decoración de lo que era su mundo sin salida, su espacio donde él mandaba y no tenia que obedecer a nadie.
El autor intenta de este modo tan dramático mostrar su vulnerabilidad y mortalidad para mostrar su realidad. “He pagado mi precio, pero estoy orgulloso de ello. No soy un masoquista o un fotógrafo de heridas”, argumenta Nebreda. Su obra casi desconocida en España, ha sido promovida sin embargo en Francia; a eso se debe la poca información en español que se pude encontrar acerca del autor.
Las reacciones sobre su obra siempre son extremas: rechazo absoluto o fascinación.Encerrado en esa casa, David intentaba curarse haciendo frente a su enfermedad tomándose fotografías de su cuerpo mutilado, de esta forma quiere vencer el miedo que siente de ese padecimiento del que ha sufrido tantos años, así que representándose en una imagen le da la oportunidad de aceptarse como es y seguir la vida.
Mucho es lo que se ha cuestionado sobre la legitimidad de esta historia ya que es de sospechar como hacía para revelar las fotos, misma que notan un buen proceso de revelado que difícilmente se lograría en las instalaciones de su casa. También publicó un libro mientras estaba encerrado.
Éstas y muchas otras cosas se dudan del autor, pero de lo que no cabe ni la menor duda es de la calidad de sus fotografías, cuidadas y realizadas con gran intensidad. La fuerza de las imágenes en sí mismas es impresionante y no pueden dejar a nadie indiferente al verlas. Ahora tiene 50 años. Es licenciado en Bellas Artes, pero sus conocimientos de fotografía son totalmente autodidactas.
En un aislamiento absoluto David Nebreda ha creado cientos de autorretratos y algunos dibujos pintados con su sangre, en el cual refleja su propio suplicio cuidando hasta el último detalle la iluminación y decoración de su mundo sin salida. David Nebreda rechaza desde hace años mirarse en un espejo. Sólo se concibe en estas imágenes de su propio dolor.
En un aislamiento absoluto David Nebreda ha creado cientos de autorretratos y algunos dibujos pintados con su sangre, en el cual refleja su propio suplicio cuidando hasta el último detalle la iluminación y decoración de su mundo sin salida. David Nebreda rechaza desde hace años mirarse en un espejo. Sólo se concibe en estas imágenes de su propio dolor.
Avedon fue el responsable de la revolución que sufrió el mundo de la fotografía de moda en los años 50, ya que consiguió que las modelos posaran de forma natural, riendo, andando y tal y como se portaban en su vida normal, en lugar de las envaradas poses a las que todo el mundo estaba acostumbrado.
Más adelante realizó unos retratos con una impactante calidad psicológica que, según sus propias palabras "son la forma de explicar a los demás muchas cosas sobre mí". A los cinco años fue inscrito por sus padres en la Witt Clinton High School y después completó sus estudios en la Universidad de Columbia, de la que salió para inscribirse en la Marina Mercante Americana, en la que enrolado durante los años 1942 al 1944.
Cuando salió de la Marina se apuntó en las clases de Alexey Brodovitch, en el Laboratorio de Diseño de la New School for Social Research de Nueva York. Fue precisamente Brodovitch, editor de la revista Harper's Bazaar, el que contrató a Avedon como fotógrafo. Durante años (1947-1984) se encargó de retratar las colecciones parisinas y docenas de reportajes de moda.
Mientras tanto, la vida de este fotógrafo no se ceñía exclusivamente al mundo del glamour. En 1958 es designado por el prestigioso magazine Popular Photography con el Premio One of the World's Ten Greatest Photographers (Uno de los diez mejores fotógrafos del mundo).
El año siguiente la editorial Simon&Schuster publica el libroObservations, con fotografías de Avedon y textos de Truman Capote. Richard Avedon fue un artista que denunció con sus fotografías un sistema cruel e injusto para con los más débiles, a la vez sabe como nadie captar el lujo y la sofisticación de los diseños de Alta Costura.
Su frenético ritmo de vida le llevó a realizar exposiciones continuas de sus instantáneas por todo el mundo, y a publicar libros, entre los que se incluye su propia biografía, publicada en 1993 por Random House.
Mientras tanto, la vida de este fotógrafo no se ceñía exclusivamente al mundo del glamour. En 1958 es designado por el prestigioso magazine Popular Photography con el Premio One of the World's Ten Greatest Photographers (Uno de los diez mejores fotógrafos del mundo).
El año siguiente la editorial Simon&Schuster publica el libroObservations, con fotografías de Avedon y textos de Truman Capote. Richard Avedon fue un artista que denunció con sus fotografías un sistema cruel e injusto para con los más débiles, a la vez sabe como nadie captar el lujo y la sofisticación de los diseños de Alta Costura.
Su frenético ritmo de vida le llevó a realizar exposiciones continuas de sus instantáneas por todo el mundo, y a publicar libros, entre los que se incluye su propia biografía, publicada en 1993 por Random House.
Sus retrospectivas se han exhibido en museos como el Whitney de Nueva York, la National Portrait Gallery de Londres o el Palazzo Real de Milán. Además, el trabajo de Avedon se ha podido contemplar de forma permanente en colecciones selectivas de prestigiosos museos como el Metropolitan de Nueva York o el Victoria and Albert Museum de Londres.
El fotógrafo neoyorquino falleció en el hospital San Antonio (Texas) el 1 de octubre de 2004 tras sufrir una hemorragia cerebral mientras realizaba un reportaje para el periódicoThe New Yorker.
Yvonne Venegas es graduada del International Center of Photography en Nueva York y está cursando actualmente su Maestría en la Universidad de California San Diego. Ella ha expuesto sus trabajos de manera individual y colectiva en los EE.UU., México, España, Francia y Canadá, en 2002 se le concedieron menciones honoríficas por la serie “Las novias más hermosas de Baja California” en la prestigiosa, Décima Bienal anual de Fotografía, del Instituto Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México.
Recientemente recibió el premio StART up del museo de arte contemporáneo San Diego. Su trabajo es parte de diferentes colecciones en los EE.UU. y México, incluyendo la colección permanente del museo del arte contemporáneo de San Diego, la Fundación Televisa y el Centro de la Imagen en la Ciudad de México.Su trabajo fotográfico explora temas de las clases sociales, el género y la representación personal de acuerdo su participación en una estructura de clase específica.
Yvonne ahora vive y trabaja en la frontera de Tijuana / San Diego. "Los retratos de familia hechos de acuerdo a las reglas aprobadas por nuestro grupo social cuelgan en nuestras paredes, y sirven como garantía de que somos parte del grupo debido a la imagen que nos representa. Creo que hay varias sociedades en América Latina en donde las mujeres tienen la tarea de mantener el aspecto apropiado de su familia, de sus amigos y su grupo.
En "las novias más hermosas de Baja California" (2000-2004) estudiamos este fenómeno con las mujeres de la clase media superior de Tijuana. Usando mi amistad para obtener acceso, me encontré investigando lo que cree la gente que es ser fotogénico y cómo ésta decide presentarse ante una cámara fotográfica. Con el tiempo me interesó buscar sus momentos frágiles, ésos donde los sujetos quizás no estaban preparados para la foto y por lo tanto no estaban conscientes de su propia representación.
Mi estudio del aspecto se propone encontrar el lado humano, centrándose en la construcción de un cascarón que está allí para ser considerado por los otros.
Veo la belleza en Tijuana, una ciudad que vive en una transformación constante. Creo en el carácter humano de la gente que ha decidido hacer de este lugar su hogar y dejar detrás su imagen construida perfecta, yo veo la singularidad de esta cultura de la frontera."
En 1923 nacía Diane Nemerov la cual cambiaría su apellido al casarse con su marido Allan Arbus. Se crió en el seno de una familia acomodada, que se dedicaba al comercio de pieles y fue hermana del poeta Howard Nemerov. A pesar de ser una niña consentida, nunca se sintió del todo cómoda con el lujo y la opulencia que destilaba su piso de la Quinta avenida. A los catorce conoció a Allan Arbus, un muchacho cinco años mayor que ella con quien se casó luego de cuatro veranos de noviazgo. Aunque los padres deseaban un mejor candidato para su hija, terminaron por aceptar al yerno. El joven Allan la inició en los misterios de la fotografía y en el vicio de la masturbación. Al parecer, encontró el complemento perfecto para sus fantasías exhibicionistas. Diane solía tocarse con las ventanas abiertas para que las luces de la ciudad de New York iluminaran su placer a sabiendas de que los vecinos pudiesen estar observándola. Juntos, abrieron un estudio en el cual trabajaron con éxito durante más de 10 años, haciendo campañas publicitarias y de moda para revistas como Vogue y Harpers`s Bazaar, entre otras. Tuvieron dos hijas.
Diane trabajaba como ama de casa y asistente de su marido, pero su rol dentro de los parámetros preestablecidos por la sociedad la hacían oscilar entre etapas de depresión profunda, miedos y represiones: se sentía “rara” circulando dentro de esa vida, detestaba la cuidada imagen publicitaria, el mundo de la alta sociedad y el show business. Pasados los 30 años comenzó a sentir que tenía que ser fiel a si misma, que debía plasmar su mirada, su ser interior.
Luego decidió dejar de asistir a su marido para comenzar con un trabajo autoral. Así fue como comenzó estudiar con Lisette Model, quien la alentó a concentrarse en fotos personales, en un realismo crudo, en captar la parte para llegar al todo. Mientras su matrimonio comenzaba a deteriorarse, salía a recorrer las calles más marginales de Nueva York en busca de personajes singulares. Salía al encuentro de lo bizarro. Entablaba charla con prostitutas, travestís, enanos, deformes, discapacitados, personajes pesadillescos, les explicaba su pasión por la fotografía y luego los convencía en dejarse retratar.
Siempre en blanco y negro, su logró fue hacer que los personajes miraran directo a la cámara para que el flash revelara sus imperfecciones. Y aquello que en la oscuridad simula normalidad al contacto con la luz horroriza. Su intención era producir en el espectador “temor y vergüenza”. Fue Pionera del flash de relleno (flash diurno).
Su obra se va enriqueciendo con fotos de asilos psiquiátricos, nudistas, gemelos, negros, discapacitados, todos los dejados de lado por el “sueño americano”. Vestía de manera descuidada y en ocasiones hasta lamentable. Duraba semanas con una misma ropa. Su vida sexual era agitada y en grado sumo promiscua. Se acostaba indistintamente con hombres y mujeres. Hasta se aseguraba que en algunas oportunidades tuvo sexo con muchos de los monstruos a los cuales retrató. Fue especialista en fotografiar orgías. Las depresiones se hicieron más frecuentes. A pesar de que su reputación de artista siempre fue ascendente su situación económica fue precaria. La razón era que recibía contados encargos y muchas de sus fotos, donde dejaba el alma, despertaban todas las admiraciones posibles, pero las revistas tenían cierto prurito en publicarlas.Un 27 de julio de 1971, Diane Arbus se suicidó tras una larga depresión. Se había cortado las venas. Además presentaba los síntomas característicos de una sobredosis de pastillas para dormir.Aunque jamás aparecieron las fotos, el rumor indica que sacó varias tomas de ella misma en la bañera mientras se desangraba, rodeada por barbitúricos. A la luz de hoy las fotos realizadas por Diane Arbus siguen perturbando. Aunque la televisión ha curado a uno de todos los horrores posibles, el trabajo de la Arbus posee el toque mágico de lo artístico, hay una insania metódica, lírica y plástica que se eleva por encima de todo amarillismo mediático. En apariencia son fotos enmarcadas en la normalidad.
Nace en 1927 en el estado de Chiapas. En 1944 inicia estudios de pintura en la escuela de Bellas Artes con maestros destacados como Antonio Ruiz "El corzo" y María Izquierdo. En 1951 trabaja en zona indígenas del país, produciendo materiales para la enseñanza.
En el transcurso de los años ha desempeñado diversas actividades tanto en la producción artística como académicas. En 1973 inicia se actividad fotográfica y ocupa cargos de dirección en la Universidad Veracruzana, donde establece, por primera vez en México la carrera de Fotografía a nivel de Licenciatura..Actualmente trabaja de manera independiente en su taller.
Carlos Jurado considera la fotografía como el producto de un acto mágico. Trabaja principalmente con cámaras estenopeicas (pinhole). Con este sistema trata de obtener ambientes y atmósferas sugerentes poco comunes. Ha realizado también obras utilizando sistemas antiguos como la goma bicromatada, la cianotipia, papel sepia, etc. Carlos Jurado construye sus propias cámaras, así como algunos equipos necesarios para su producción.
En el año de 1822, Nicéforo Niepce, un químico francés, obtiene la primera imagen perdurable por medio del yoduro de plata. Usando una cámara oscura comprada a un fabricante llamado Chevalier logra, después de una exposición de ocho horas al aire libre, la imagen que desde entonces se conoce como "La mesa servida".
Posteriormente, Niepce se asocia con Daguerre, pintor y decorador, para continuar juntos experimentos con objeto de mejorar el procedimiento. Muerto Niepce, Daguerre continúa las búsquedas y descubre el "Daguerrotipo", procedimiento consistente en obtener imágenes sobre planchas metálicas impregnadas de vapores de mercurio.
Las imágenes de Niepce y Daguerre, eran obtenidas directamente en positivo, por lo tanto no podían reproducirse. Fue Henry Fox Talbot en Inglaterra, el descubridor del negativo y, por consiguiente, del sistema que permita a la fotografía su reproducción ilimitada.
En los años que siguieron, la cámara oscura y la fotoquímica tuvieron un desarrollo impresionante. Con el Daguerrotipo, la fotografía - así bautizada por Talbot - se vuelve popular y empiezan a surgir los fotógrafos profesionales. Como uno de los más importantes cabe destacar a Nadar.
La plancha metálica es sustituida por el cristal y, posteriormente, por el celuloide, material más flexible. Las emulsiones químicas llegan a tener una gran sensibilidad y permiten la toma "instantánea" de imágenes en movimiento. Es en 1887, que en los Estados Unidos, Aníbal Goodwin inventa el rollo fotográfico, mismo que Eastman/Kodak industrializará de inmediato, creando de este modo una de las bases sobre las que habría de edificarse la sociedad de consumo.
Eastman fabricó cámaras fotográficas a precios populares que venían cargadas de fábrica y tenían que enviarse al laboratorio para extraerles y revelar el rollo.
En 1897, Eastman Kodak lanzó el slogan siguiente: "Apriete usted un botón, nosotros hacemos lo demás."
En 1897, Eastman Kodak lanzó el slogan siguiente: "Apriete usted un botón, nosotros hacemos lo demás."
Con el advenimiento de la película supersensible y, por consiguiente, de la instantánea, los hombres empezaron a preocuparse por representar el movimiento en su continuidad.
ISO - ASA
La sensibilidad de la película indica la sensibilidad relativa a la luz y se expresa como un número ISO (antes velocidades ASA) o un índice de exposición (EI). Mientras mayor es la velocidad, es más sensible a la luz o rápida es la película; mientras más baja es la velocidad, menos sensible o más lenta es la película. Los números de velocidad ISO son numéricamente iguales que los números de velocidad ASA. Por ejemplo, si la velocidad de una película es ISO (ASA) 200, debe fijar el dial ISO (ASA) de su cámara o medidor en 200.
Una película rápida requiere menos luz para una exposición adecuada que una película de baja sensibilidad. En las cámaras digitales se encuentra en el menú y se ajusta en sus tres posibles variantes La velocidad de la película se fija en los exposímetros, en las cámaras que tienen medidores incorporados, para obtener la exposición correcta.
Una película rápida requiere menos luz para una exposición adecuada que una película de baja sensibilidad. En las cámaras digitales se encuentra en el menú y se ajusta en sus tres posibles variantes La velocidad de la película se fija en los exposímetros, en las cámaras que tienen medidores incorporados, para obtener la exposición correcta.
¿Que es un exposimetro y como funciona?
El exposímetro es un instrumento para medir la luz. En fotografía se utiliza para determinar la correcta exposición y permite al fotógrafo determinar cuál combinación de apertura de diafragma y velocidad le conviene teniendo en cuenta el ISO de la película o de la cámara digital. Actualmente las cámaras traen incorporado un exposímetro. En las cámaras compactas, el exposímetro mide la luz y simplemente toma la fotografía de acuerdo a la cantidad de luz existente, pero no lo podemos ver.
En las cámara SRL, el exposímetro está a la vista a través del visor y nos permite hacer utilizarlo para obtener la combinación adecuada dependiendo del tipo de fotografía que vayamos a hacer. Existen exposímetros manuales, que permiten tener un mayor control al hacer la toma y medir la luz en puntos específicos
FLASH
El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable.
*El flash de lámpara, que provoca la ignición de filamentos metálicos encerrados en una ampolla de vidrio. En la actualidad ha caído en desuso, sobre todo porque había que reponer la lámpara tras cada destello. Su combustión era rápida, pero no instantánea.
* El flash electrónico, que provoca una descarga de la electricidad acumulada en un condensador en una lámpara de xenón. Una vez cargado el condensador, su disparo es instantáneo y debe estar bien sincronizado con la apertura del diafragma.
* El flash convencional, por su corto alcance, es menos útil cuando el sujeto está lejos. Sin embargo, los flashes de más alta potencia son capaces de iluminar más allá de los 75 metros
* Flash de relleno sirve para atenuar las sombras producidas por la luz ambiente sobre el sujeto. Suele usarse en situaciones de contraluz o simplemente bajo el sol del mediodía
* Flash rebotado es útil el evitar que la luz del flash se dirija directamente hacia el sujeto apuntando en su lugar hacia una superficie reflectante, de modo que al sujeto llega una luz difundida.
* Flash rebotado es útil el evitar que la luz del flash se dirija directamente hacia el sujeto apuntando en su lugar hacia una superficie reflectante, de modo que al sujeto llega una luz difundida.
* Flash por simpatía consiste en la utilización de varios flashes que funcionan al unísono Cuando se dispara uno (flash maestro), los restantes (flashes esclavos) detectan la luz y disparan también. El retardo es inapreciable.
* El flash estroboscópico, o múltiple, el cual, en vez de emitir un solo haz de luz, emite varios. Si el sujeto está sobre un fondo oscuro y el sujeto se mueve, se verán una superposición de instantáneas del movimiento.
Apertura de diafragma: Abriendo el diafragma llega más luz al sensor y se reduce el tiempo de exposición.
Sensibilidad: Aumentando la sensibilidad se reduce el tiempo de exposición aunque aumenta el nivel de ruido.
Barrido y Congelado
El barrido en una fotografía es una técnica que consiste en crear la sensación de movimiento dejando estático el elemento central o el fondo y correr o barrer el otro.
Se obtiene este efecto dando prioridad a la apertura: Se cierra el diafragma y compensamos la velocidad a la toma. Esta fotografía fue tomada montando la cámara en un trípode, diafragmando a F22 con una velocidad compensada de 1/2 segundos en ISO 100. Como se pude apreciar, la fotografía se ajusta de igual forma como si tomáramos una máxima profundidad de campo; de este hecho sale una regla: cuando calibramos la cámara a máxima profundidad de campo, al mismo tiempo obtendremos barridos.
Es el mismo escenario pero ahora la prioridad se le ha dado a la velocidad. Es decir, estando la cámara montada en el trípode y a la misma distancia se ha colocado una velocidad de 1/500 (mucho más rápida que V½ en la foto anterior) y el diafragma se compensó a F 3.5 Obviamente el ISO se ha aumentado a ISO 800 por la escasa condición de luz que había al momento de realizar la toma. Entonces, cambiando estos valores la fotografía cambia también, ahora el niño queda “congelado” en el columpio. Al aumentar la velocidad, la imagen queda estática o congelada y esa imagen anti natural es la que da la sensación de acción en una escena.
En fotografía el obturador es el dispositivo que controla el tiempo durante el que llega la luz al elemento sensible (película o sensor). Junto con la abertura del diafragma, la velocidad de obturación es el principal dispositivo para controlar la cantidad de luz que llega al elemento fotosensible.
Existen básicamente dos tipos de obturador: central (o de laminillas) y de plano focal (o de cortina).
Obturador Central
El obturador central lo incorporan los objetivos de gran formato así como cámaras réflex de 2 objetivos y algunas de formato medio como algunos modelos de Hasselblad. Suele encontrarse en el objetivo y están compuestos por unas láminas que se abren de forma radial. Su ventaja es que pueden sincronizarse con el flash a cualquier velocidad y su desventaja es que la velocidad máxima de exposición no puede superar 1/500 s
Obturador de plano focal
El obturador de plano focal se encuentra en todas las cámaras réflex de un solo objetivo. Está situado justo delante de la película o sensor y está formado por dos cortinillas. Una de apertura y otra de cierre, que se mueven en la misma dirección. Su funcionamiento es el siguiente: primero baja una cortinilla abriendo el obturador, posteriormente, según el tiempo de exposición seleccionado, baja la segunda cortinilla cerrando la ventana que da paso de luz a la película. Una desventaja frente al obturador central es la dificultad de sincronización con el flash que suele encontrarse entre 1/30 y 1/250 s. dependiendo de su tamaño y materiales utilizados. Esto es debido a que la primera cortina tarda un tiempo en realizar su recorrido, dándose el caso en que a velocidades altas la cortina de cierre se activa antes de haber terminado la primera cortina su recorrido, en estos casos la exposición se forma por una franja de luz, entre una cortina y la siguiente, en forma de barrido, de manera que como el flash tiene por norma general un destello muy corto, la foto sale cortada pues no hay ningún instante que esté abierta la ventana al mismo tiempo. Esto puede resolverse con un flash que mantenga la iluminación durante el tiempo total que tarda la exposición en realizarse, por lo general son flashes especiales dedicados de cada marca.
Control del obturador
El obturador de plano focal podía controlarse de modo mecánico, alcanzando normalmente velocidades máximas entre 1/500 y 1/1000. La velocidad máxima alcanzada por medio puramente mecánico fue de 1/4000 s en la Nikon FM2.
Hoy día los obturadores suelen ser controlados de modo electrónico mediante electroimanes. Con ello se consigue mayor precisión, velocidades que alcanzan los 1/12.000 como es el caso de las Minolta Dynax 9 y mejor control en velocidades lentas pudiéndose ajustar normalmente hasta 30 s.
¿Que es?
Está compuesto por unas pequeñas laminillas metálicas, imbricadas entre sí en el interior del objetivo. Estas, forman un orificio regular que determina el diámetro del haz luminoso y por tanto la intensidad de luz que tendrá el plano focal.
El diafragma, es el que controla la cantidad de luz que atraviesa el objetivo y tambíen determina la extensión de la profundidad del campo.
Algunas combinaciones de abertura y velocidad dan lugar a una exposición equivalente, es decir que en muchas ocasiones la imagen o película se encontrará expuesta a la misma cantidad de luz. Un diafragma muy abierto y una velocidad de obturación elevada nos darán una profundidad de campo escasa y una abertura más pequeña y una velocidad de obturación más lenta nos darán un profundidad de campo mayor.
La profundidad de campo es el rango de distancia en el cual los objetos en una foto se ven nítidos.
La profundidad del campo, siempre aumenta cerrando el diafragma. Según algunos manuales de fotografía, se precisa que, con una abertura media del diafragma (normalmente de 8 y 11 en las cámaras analógicas), se obtienen las fotos más nítidas. Esto no quiere decir que esta regla pueda aplicarse a los objetivos más pequeños de las cámaras digitales.
Otra regla teniendo en cuenta la profundidad del campo, antes de realizar una fotografía, deberá centrarse donde se indica la zona de nitidez del sujeto.
La profundidad de campo varía con el tamaño de la abertura del lente, la distancia entre la cámara y el sujeto y la distancia focal del lente. La profundidad de campo es mayor a medida que:
1- El tamaño de la abertura del lente decrece.
2- La distancia al sujeto aumenta.
3- La distancia focal del lente decrece.
En algunas tomas necesitaremos la máxima profundidad de campo posible.
Está compuesto por unas pequeñas laminillas metálicas, imbricadas entre sí en el interior del objetivo. Estas, forman un orificio regular que determina el diámetro del haz luminoso y por tanto la intensidad de luz que tendrá el plano focal.
El diafragma, es el que controla la cantidad de luz que atraviesa el objetivo y tambíen determina la extensión de la profundidad del campo.
Algunas combinaciones de abertura y velocidad dan lugar a una exposición equivalente, es decir que en muchas ocasiones la imagen o película se encontrará expuesta a la misma cantidad de luz. Un diafragma muy abierto y una velocidad de obturación elevada nos darán una profundidad de campo escasa y una abertura más pequeña y una velocidad de obturación más lenta nos darán un profundidad de campo mayor.
La profundidad del campo, siempre aumenta cerrando el diafragma. Según algunos manuales de fotografía, se precisa que, con una abertura media del diafragma (normalmente de 8 y 11 en las cámaras analógicas), se obtienen las fotos más nítidas. Esto no quiere decir que esta regla pueda aplicarse a los objetivos más pequeños de las cámaras digitales.
Otra regla teniendo en cuenta la profundidad del campo, antes de realizar una fotografía, deberá centrarse donde se indica la zona de nitidez del sujeto.
La profundidad de campo varía con el tamaño de la abertura del lente, la distancia entre la cámara y el sujeto y la distancia focal del lente. La profundidad de campo es mayor a medida que:
1- El tamaño de la abertura del lente decrece.
2- La distancia al sujeto aumenta.
3- La distancia focal del lente decrece.
En algunas tomas necesitaremos la máxima profundidad de campo posible.
Una cámara estenopeica (del griego στένω/steno estrecho, ὀπή/ope abertura, agujero) es una cámara fotográfica sin lente, que consiste en una caja a prueba de luz con un pequeño agujero donde entra luz. Para producir una imagen nítida es necesario que esta apertura sea muy pequeña, del orden de 0,5 mm (1/50 pulgadas). El obturador de la cámara normalmente consiste en un material que no permite el paso de luz con el que manualmente se tapa el agujero. El tiempo de exposición normalmente es mucho mayor al necesario con cámaras convencionales debido al tamaño de la apertura, pueden ir desde 5 segundos hasta más de una hora.
La imagen puede ser proyectada sobre una pantalla translúcida para poder verse simultáneamente (común para eclipses solares), o sobre una película, o sobre un sensor digital CCD.
Bailando en la Oscuridad
Año: 2000
Duracion: 140 min.
País: Dinamarca
Director: Lars Von Trier
Guion: Lars Von Trier
Musica: Björk
Fotografia: Robby Müller
Reparto: Björk, Catherine Deneuve, David Morse, Peter Stormare, Udo Kier, Joel Grey.
Genero: Drama musical
Sinopsis
La película nos remonta a un pequeño pueblo en medio de Washington, es aquí donde Selma (Björk), una inmigrante Checa, trabaja en una fábrica, intentando subsistir al lado de su hijo de 10 años, Gene. Selma tiene una gran amiga, compañera de trabajo y coterránea: Kathy (Catherine Deneuve). Fuera de su trabajo, ella no procura muchas amistades, sin embargo un día obtiene el rol de María en una presentación amatéur de “The Sound of Music” (El sonido de la música). La vida de Selma no parece ser tan difícil, pero esta ilusión se rompe cuando nos damos cuenta de que ella padece una enfermedad congénita que eventualmente la llevará hasta la ceguera, enfermedad que padece así mismo su hijo. Selma se niega a aceptar este destino y reune la cantidad de dos mil dólares destinados a pagar una operación que salvará la visión de su hijo. Cuando su dinero desaparece, ella confronta a su casero, Bill (David Morse), quien tiene fama de usurero.
Soy fanático de los musicales, y esta película me agrado por eso mismo y por el tema que aborda, lo fuerte del mensaje en sí. La hazaña por sacar a su hijo adelante frente a una enfermedad que poco a poco la va debilitando. Es interesante ver este tipo de películas que se podrían decir casi documentales debido al realismo con que están hechas en la historia. La verdad si quieres un momento para reflexionar y poner tus neuronas a pensar un poco, te recomiendo esta película.
Zoótropo, del griego zoe (vida) y trope (girar), también denominado zoetrope o daedelum, máquina estroboscópica creada en 1834 por William George Horner, compuesta por un tambor circular con unos cortes, a través de los cuales mira el espectador para que los dibujos dispuestos en tiras sobre el tambor, al girar, aparezcan en movimiento.
Fue un juguete muy popular en la época y uno de los avances hacia la aparición del cine que se crearon en la primera mitad del siglo XIX.
Seguramente, la cámara oscura tuvo su primer inventor en Bagdad. Fue el matemático árabe Alhacén, nacido en 965, pues en su libro "Tratado Óptico" echa por tierra las teorías griegas predominantes en aquella época de que los rayos luminosos se emiten desde el ojo hacia los objetos visualizados. A través de sus experimentos y de una descripción detallada de los ojos, afirma que la cosa es totalmente al revés: los objetos emiten los rayos luminosos. Así, la observación de este fenómeno dio origen a lo que posteriormente fue inventado en base a las teorías de Alhacén: La cámara fotográfica.
En el siglo XIII Roger Bacon conocía ya el fenómeno de la cámara oscura aunque, probablemente, hasta el siglo XV, no se le dio aplicación práctica como instrumento auxiliar para el dibujo. En el siglo XVI se construyen cámaras portátiles con un objetivo de mayor diámetro dotado de lentes, con lo que la imagen ganaba en definición y luminosidad. Artistas de los siglos XVI y XVII, como Johannes Vermeer y otros usaron cámaras oscuras para ayudarse en la elaboración de sus bocetos y pinturas.
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